Artyści

BalticAlians
Orkiestra kameralna BalticAlians to grupa młodych muzyków studiujących w Akademii Muzycznej im. Stanisława Moniuszki w Gdańsku. Idea zespołowego grania zrodziła się z wspólnej pasji, jaką jest muzyka i chęci dzielenia się nią z innymi. Muzycy posiadają szeroki repertuar obejmujący kompozytorów wszystkich epok. Dzięki takim atutom jak młodość, zapał i talent, grupa tworzy najbardziej inspirujący i obiecujący zespół działający na Pomorzu. Każdy z artystów jest traktowany indywidualnie i ma wpływ na kształt dzieła w procesie tworzenia, co daje zachwycający efekt dla publiczności na koncertach. Wykorzystując doświadczenie i wiedzę profesjonalnych muzyków orkiestra dąży ze swoją innowacyjnością do przełamania szablonowych koncertów muzyki klasycznej . Jej głównym celem jest połączenie kunsztu instrumentów smyczkowych z nowatorskim podejściem do muzyki.

Zespół został założony z inicjatywy trzech skrzypków: Janiny Olszewskiej, Jana Starucha oraz Rafała Marka Wiśniewskiego.

Hashtag Ensemble # kooperatywa muzyczna specjalizująca się w wykonawstwie muzyki współczesnej, improwizacji i edukacji artystycznej, założona i kierowana przez flecistkę Anię Karpowicz od 2014 roku.
Inicjatywę tworzą polscy muzycy młodego pokolenia: kompozytorzy, wokaliści, instrumentaliści oraz dyrygentka – związani z czołowymi instytucjami kulturalnymi, takimi jak Orkiestra Sinfonia Varsovia, Polska Orkiestra Radiowa, Polska Opera Królewska, Uniwersytet Muzyczny Fryderyka Chopina.
Działalność Hashtag Ensemble opiera się na tworzeniu egalitarnych struktur w oparciu o wielopłaszczyznowe aktywności członków kooperatywy oraz na budowaniu programów zasadzonych na czytelnych – najczęściej pozamuzycznych – kontekstach. Ważnym elementem praktyki koncertowej zespołu jest wspieranie i prezentacja dokonań artystycznych Kobiet, co od początku istnienia zespołu znajduje swój wyraz we współpracy z młodymi Kompozytorkami i Artystkami. Zespół wielokrotnie wykonywał kompozycje: Lucii Dlugoszewski, Jagody Szmytki, Agaty Zubel, Agnieszki Stulgińskiej, Age Veroos, Marty Sniady, Niny Fukuoki, Rebeki Saunders i innych.

Mikołaj Pałosz
niezależny wiolonczelista, improwizator i kompozytor, specjalizuje się w wykonawstwie muzyki współczesnej i awangardowej. Studiował na Akademii Muzycznej im. F. Chopina w Warszawie. Jest zdobywcą nagród na międzynarodowych konkursach muzycznych, m.in. Współczesnej Muzyki Kameralnej im. K. Pendereckiego w Krakowie oraz
Konkursie Wiolonczelowym im. W. Lutosławskiego w Warszawie. Występuje m.in. na festiwalach Warszawska Jesień, Musica Polonica Nova, Festiwalu Prawykonań Polska Muzyka Najnowsza, Poznańska Wiosna Muzyczna, Audio Art i Ad Libitum. Jest stałym członkiem Warszawskiej Grupy Cellonet oraz Chain Ensemble. Jako członek zespołu wiolonczelowego Conjunto Ibérico, z siedzibą w Holandii, w latach 1998-2008 koncertował w Europie, Brazylii,
Meksyku i USA. Jego solowa płyta Cellovator ukazała się w 2008 r. W ramach stypendiów twórczych M. st. Warszawy i Ministra KiDN stworzył zbiór etiud na wiolonczelę solo Pretudes (2012) oraz kompozycje audiowizualne Dłubak Soundsystem (2012) i AVC (2016). Wspólnie ze skrzypaczką Anną Kwiatkowską tworzy duet działający od 10 lat, prezentujący repertuar współczesny i najnowszy. Mikołaj Pałosz inicjuje powstawanie nowych dzieł i jest wykonawcą wielu premier, w tym utworów jemu dedykowanych.
Mikołaj Pałosz, freelance cellist, improviser and compose

Piotr Wyrzykowski
polski artysta współczesny, performer – wykorzystuje w swojej twórczości film wideo, performance wideo, internet, instalacje, projekcje wideo w przestrzeni publicznej. Studiował architekturę wnętrz w latach, a następnie malarstwo w Pracowni Intermedialnej prof. Witosława Czerwonki w PWSSP (ASP) w Gdańsku. W latach 90. Aktywnie uczestniczył w gdańskim środowisku artystycznym, będąc członkiem Stowarzyszenia Ludzi Aktywnych, członkiem Fundacji Galerii Otwartej, wicedyrektorem Fundacji Wyspa Progress. W 1995 roku otrzymał pierwszą, a w 1997 drugą nagrodę na festiwalu WRO. Był nominowany do nagrody „Spojrzenia” Fundacji Kultury Deutsche Bank w 2003 roku..

Ensemble Mosaik zapoczątkował swoją zróżnicowaną instrumentalnie i eksperymentalną formację w roku 1997 szybko stając się jednym z najbardziej rozpoznawalnym zespołów muzyki współczesnej w Europie. Członkowie zespołu nie tylko charakteryzują się doskonałym warsztatem wykonawczym, ale również indywidualną kreatywnością i chęcią do eksperymentowania.
Na przestrzeni wielu lat współpracy muzycy stworzyli orkiestrę o wyróżniającym się profilu, demonstrującą otwartość na najróżniejsze koncepcje współczesnej muzyki kameralnej, zawsze prezentując najwyższy poziom artystyczny. Działalność zespołu charakteryzuje się bliską współpracą z kompozytorami młodego pokolenia jak również włączaniem mediów cyfrowych w sfery kompozycji, interpretacji i sztuki scenicznej.

Maciej Konopiński
aktor Teatru Wybrzeże, pedagog Państwowego Studium Wokalno-Aktorskiego im. D. Baduszkowej w Gdyni, reżyser, performer.

Nakamura Noriko
urodziła się 26 lutego 1965 roku w Kusatsu City w prefekturze Shiga w Japonii. Twórczość Nakamury przez trzydzieści lat znajdowała się w charakterystycznym okresie przejściowym. Jeśli chodzi o prace z pierwszej dekady, wszystkie utwory zostały wykonane z baletem, współczesnym tańcem scenicznym itp. Jeśli chodzi o prace z drugiej dekady, wszystkie utwory zostały wykonane z japońskim i koreańskim tańcem tradycyjnym i współczesnym. Jeśli chodzi o prace trzeciej dekady, te elementy wpisały się w ideę graficzną.
Oznacza to przejście od solo do orkiestry, od orkiestry do solo, a także scenę teatralną i operę na grafice. notacje. Te pomysły są alternatywnie i wykonywane również przez zachodnie instrumenty lub zachodnią orkiestrę. W XII, około dwunastu rozdziałów, każde wyrażenie i czas trwania, są one zorganizowane według schematu obiegowego. Elementy ukryte przez historię są organizowane i opracowywane przez kompozytora, są kategoryzowane i wyważane w ramach całości, a ich organiczność zachęca do głębszego wykonania. Biorąc pod uwagę substytucyjność czterech głosów z zachodnich triad i trzech głosów z dwóch akordów z Tokio, kwartet będzie kwartetowany przez muzykę smyczkową dzięki kompatybilności z tradycyjną charakterystyką pięciu i sześciu głosów.

Olga Rayeva 
urodziła się w Moskwie, a w wieku czterech lat rozpoczęła naukę muzyki. Studiowała w Centralnej Szkole Muzycznej, a potem w Narodowym Konserwatorium Moskiewskim im. Piotra Czajkowskiego w klasie prof. E. Denissova i W. Tarnolopskiego (kompozycja), prof. N. Korndorfa i prof. Y. Boutsko (partytury), prof.dr Y. Kholopova (teoria muzyki), a także prof. E. Sorokina, prof. dr T. Tscherednitschenki, prof. dr V. Stshurova i u innych wspaniałych pedagogów kończąc studia doktoranckie również na tej uczelni.
Jeszcze podczas studiów kompozycje Olgi Rayevej były już wykonywane podczas Moscow Autumn Festival, International Festival „Moscow-Modern” i Festival „Alternative” pozostawiając krytyków pod dużym wrażeniem. Kompozytorka została zauważona jako „impresywna indywidualność” i okrzyknięta jedną z najbardziej utalentowanych artystek rosyjskich swojego pokolenia.

Krzysztof Topolski
Artysta dźwiękowy, perkusista, Autor projektów z dziedziny muzyki i sztuki dźwięku. Zajmuje się field recordingiem, akustyczną ekologią i krajobrazem akustycznym. Tworzy instalacje dźwiękowe. W jego pracy kluczowe pojęcia to noise, soundscape i groove. Interesują go poszukiwania w sferze perkusji oraz live electronic, muzyka improwizowana i elektroakustyczna, komponuje przy użyciu komputera, Organizuje prezentacje i wykłady poświęcone muzyce współczesnej, akustycznej ekologii i sztuce dźwięku oraz prowadzi warsztaty.
Był kuratorem projektu edukacji dźwiękowej Ucho w Wodzie czyli działania dźwiękowe na Wyspie Sobieszewskiej, pomysłodawcą i kuratorem festiwalu sztuki dźwięku Soundplay, oraz cyklu warsztatów Dźwiękowiska w CSW Łaźnia w Gdańsku. Jako artysta dźwiękowy i edukator współpracował z najważniejszymi instytucjami kultury w Polsce. Prowadził warsztaty, grał koncery, brał udział w wystawach i festiwalach. Zrealizował instalację dźwiękową Falowanie w ramach Festiwalu Muzyki Współczesnej Warszawska Jesień oraz uczestniczył w cyklu wystaw dźwiękowych Polish Soundscape. Brał udział w wystawie Ogrody w Narodowej Galerii Sztuki Zachęta. Zrealizował m.in. pojekty: Muzeum Dźwięków w Muzeum Narodowym w Krakowie, Baltic Sounds Good w ramach projektu Art Line, Arszyn Emigrant GPS w Muzeum Emigracji w Gdyni, oraz Perspektiven/Perspektywy – reinterpretacje utworów ze Studia Eksperymentalnego Polskiego Radia w Warszawie oraz Studia Muzyki Elektronicznej WDR w Kolinii. Wraz z Mariuszem Warasem stworzyłem instalację Fabryka w CSW Znaki Czasu w Toruniu, a także prezentowałem utwór Folk Science jako część projektu Pandemonium w AC Institute [Direct Chapel] w Nowym Yorku. Zrealizował projekty nagrań terenowych Arszyn-Emigrant, oraz W terenie-Suwalszczyzna.
.

Filip Ignatowicz
Urodzony w 1990 roku. Absolwent Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Dyplom obroniony w 2014 r. został nagrodzony przez MKiDN podczas wystawy Najlepsze Dyplomy ASP w Polsce. W 2017 r. ukończył Gdyńską Szkołę Filmową (Wydział Reżyserski) kręcąc krótkometrażowy film fabularny “NOWY BRONX”. Od 2017 r. Filip pracuje jako asystent na swojej alma mater. Realizuje video, instalacje, performance, a także akcje w przestrzeniach publicznych. Zajmuje się także filmem, fotografią, projektami artystyczno-badawczymi oraz wideo-scenografią. Autor stale rozwijanego projektu „FIGNACYco.”, chrupków “Cheesus”, działania “GIFT SHOP”, serii obiektów „gruz ze Stoczni Gdańskiej” oraz projektu #artUNBOXING”. Poza Polską swoje prace prezentował w Europie oraz obu Amerykach.

Aleksander Kościów urodził się 5 maja 1974 roku w Opolu. W latach 1993-98 studiował w Akademii Muzycznej w Warszawie w klasie altówki Błażeja Sroczyńskiego oraz w klasie kompozycji Mariana Borkowskiego, którą ukończył z wyróżnieniem. Studiował również etnologię i filologię klasyczną na Uniwersytecie Warszawskim.
Od roku 1998 jest pracownikiem dydaktycznym Uniwersytetu Muzycznego im. Fryderyka Chopina w Warszawie, od 2016 pełni na tej uczelni stanowisko prorektora. Wykładał również w San Diego (Stany Zjednoczone), Weikersheim i Monachium (Niemcy) oraz w Taegu (Korea Południowa). W 2007 roku uzyskał stopień doktora sztuki w dziedzinie kompozycji, a w 2014 roku stopień doktora habilitowanego.
Aleksander Kościów był laureatem wielu konkursów kompozytorskich oraz stypendystą Fundacji Fulbrighta (2005). Jego utwory były wykonywane na wielu festiwalach i koncertach muzyki współczesnej w Polsce, m.in. podczas Międzynarodowyego Festiwalu Tradycji i Awangardy Muzycznej KODY, festiwalu Musica Polonica Nova we Wrocławiu oraz podczas Warszawskich Spotkań Muzycznych, a także za granicą (Francja, Japonia, Korea Południowa, Litwa, Niemcy, Rosja, Turcja, Ukraina, USA, Wielka Brytania, Włochy).

Antoni Michnik
doktorant w IS PAN, absolwent IHS UW, historyk kultury, performer, kurator. Członek założyciel researchersko-performatywnej Grupy ETC, z którą interpretował na licznych festiwalach utwory muzyki eksperymentalnej i konceptualnej. Kuratorował wystawy i koncerty niezależne, m.in. w Trafostacji Sztuki w Szczecinie. Od roku 2020 w zespole kuratorskim festiwalu Ad Libitum. Od jesieni 2013 w redakcji magazynu „Glissando”. Publikował m.in. w „Kontekstach“, „Kulturze Popularnej”, „Kulturze Współczesnej”, „Kwartalniku Filmowym”, „Przeglądzie Humanistycznym”, „Ruchu Muzycznym”. Współredaktor książek Fluxus w trzech aktach. Narracje – estetyki – geografie Grupy ETC (Wyd. Krytyki Politycznej, 2014) oraz Poza Rejestrem. Rozmowy o muzyce i prawie autorskim (Fundacja Nowoczesna Polska, 2015).

reConvert
powstał jako naturalne przedłużenie repertuaru perkusyjnego ostatnich siedemdziesięciu lat. Stał się swego rodzaju pieczęcią tożsamości, która odrzuca ogólne definicje i stawia na ciągłą współpracę pomiędzy artystami. Jej filar stanowi kwestionowanie akademickich dogmatów.
W odniesieniu do roli perkusisty w obecnych czasów, uwzględniając ewolucję, którą sam „instrument” przeszedł, reConvert stawia estetyczne pytanie pozbawione kompleksów, ograniczeń czy terminów. Nowe projekt, których podejmuje się reConvert, łączące perkusję z nowatorskimi rozwiązaniami elektronicznymi, mogłyby być określane na wiele sposobów, jednak żadne z tych określeń nie jest w stanie w pełni ich zdefiniować.
reConvert stawia na ciągłą współpracę z różnymi twórcami naszych czasów, takimi jak Kaj Duncan David, Alexander Schubert, Simon Steen-Andersen, Michael Maierhof,
Jorge Sánchez-Chiong, Fernando Manassero czy Luciano Azzigotti.
Zespół działa czynnie w Europie, Ameryce i Azji, nieustannie ewoluując, badając nowe techniki wyrazu. Instrumenty, przedmioty czy efekty same w sobie są narzędziami do osiągnięcia artystycznych celów, które proponuje reConvert i stanowią narzędzie kreacji.
Działalność reConvert, oprócz koncertów, obejmuje także warsztaty prowadzone w różnych instytucjach, m.in. w Royal College of London, Universidad Tres de Febrero w Buenos Aires, Columbia University (Nowy Jork).

Ewa Liebchen
flecistka, solistka i kameralistka, specjalizuje się w wykonawstwie muzyki współczesnej. Dokonała licznych wykonań i prawykonań dzieł muzyki polskiej. Wiele z nich powstało na zamówienie w ramach programu MKiDN Zamówienia kompozytorskie. Jest absolwentką Accademia Italiana del Flauto (2002) w klasie fletu prof. Raymond Guiot i Akademii Muzycznej im. F. Nowowiejskiego w Bydgoszczy w klasie fletu prof. Jadwigi Kotnowskiej (2005).
Laureatka ogólnopolskich, a także międzynarodowych konkursów muzycznych jako solistka i kameralistka. Stypendystka takich organizacji jak Fundacja Kultury, ZAiKS, Top Wind czy Accademia Musicale Chigiana. Jest również dwukrotną laureatką Programu Stypendialnego MKiDN „Młoda Polska”.
W ramach działalności pedagogicznej prowadzi prezentacje i warsztaty z zakresu współczesnego wykonawstwa dla instrumentalistów, pedagogów i kompozytorów. Gościła z wykładami na uczelniach muzycznych (AM im. F. Nowowiejskiego w Bydgoszczy, AM im. S. Moniuszki w Gdańsku, AM im. G. i K. Bacewiczów w Łodzi). Jako artysta-rezydent była zapraszana na Międzynarodowe Letnie Kursy Kompozytorskie Synthetis w Radziejowicach (2015, 2017), a także była gościem Sichuan Conservatory of Music (SCCM) w Chendgu w Chinach (2017).

Anna Kwiatkowska
ukończyła Akademię Muzyczną w Krakowie w klasie skrzypiec Mieczysława Szlezera oraz studia podyplomowe współczesnej muzyki kameralnej u Adama Kaczyńskiego. Brała udział w licznych kursach mistrzowskich oraz w kursach Impuls w Grazu i Wakacyjnych Kursach Nowej Muzyki w Darmstadcie. W latach 1998-2008, jako leader tria smyczkowego Violarium trzykrotnie (2000, 2003 i 2004) uzyskała nagrody na Międzynarodowym Konkursie Współczesnej Muzyki Kameralnej w Krakowie oraz dała wiele koncertów w Polsce i za granicą (Niemcy, Włochy, Austria, Litwa, Szwajcaria, Holandia, Meksyk). Jako solistka wykonuje wybitne pozycje współczesnego repertuaru skrzypcowego (m.in. Berio, Boulez, Carter, Haas, Kurtág, Nono, Saariaho, Sørensen), jak utwory napisane specjalnie dla niej przez czołowych polskich kompozytorów młodszego pokolenia (m.in. Blecharz, Zych, Szmytka, Kupczak, Wojciechowski). Występowała m.in. na festiwalach Muzyczne Lato w Kopenhadze, Bendigo International Festival of Exploratory Music w Australii, Muzyki Kameralnej w Pekinie, Audio Art w Krakowie, Musica Polonica Nova we Wrocławiu, Poznańskiej Wiośnie Muzycznej, Warszawska Jesień. Współpracowała z MusikFabrik w Kolonii, jednym z najsłynniejszych zespołów nowej muzyki występując m.in. na Musikfest w Berlinie i w Jahrhunderthalle w Bochum. Jest współorganizatorem warsztatów muzyki współczesnej dla młodzieży w cyklu „Harmonie i hałasy”. Jej płyta „Eidos” została nominowana do Nagrody Fryderyk 2017 w kategorii muzyki kameralnej. Jest autorką filmów wprowadzających w zagadnienie współczesnej muzyki na skrzypce opublikowanych przez Narodowy Instytut Audiowizualny. Występuje z warszawskim zespołem Chain Ensemble kierowanym przez Andrzeja Bauera.

Adam Roszkowski
jest absolwentem Akademii Muzycznej im. F. Chopina w Warszawie oraz Konserwatorium Królewskiego w Brukseli, które ukończył z wyróżnieniem, otrzymując dwukrotnie stypendium rządu Królestwa Belgii. Jego działalność artystyczna to zarówno występy solowe, kameralistyka, jak również muzyka elektroniczna i improwizowana. W sierpniu 2018 roku zadebiutował płytą CD z utworami K. Lipińskiego nagraną dla wytwórni NAXOS. Album otrzymał prestiżową nominację do International Classic Music Award 2019 (ICMA). W 2015 roku był pierwszym solistą Orkiestry Filharmonii Gorzowskiej. Koncertował jako solista m.in. z Filharmonią Białostocką, Filharmonią Gorzowską, Carloforte Festival Orchestra wykonując koncerty skrzypcowe Mozarta, Saint-Saensa, Wieniawskiego jak również wielkie dzieła Ravela, Chaussona, Williamsa i Halvorsena. Ponadto współpracował z amerykańskim perkusistą i kompozytorem Seanem Noonanem, z którym tworzył freejazzowy projekt A Gambler’s Hand na perkusję i kwartet smyczkowy. Owocem polsko-amerykańskiej przyjaźni były dwie europejskie trasy koncertowe, o łącznej liczbie 50 koncertów w 10 krajach Europy. M.in.: EFG London Jazz Festival, 26th Vilnius Jazz Festival, Gent Handelsbeurs. Projekt ten sponsorowany był przez Ambasadę̨ Stanów Zjednoczonych w Warszawie. A Gamblers Hand to muzyczno – teatralne przedstawienie łączące brzmienia elektrycznie zmodyfikowane z brzmieniami akustycznymi. W chwili obecnej poświęca coraz więcej czasu na tworzenie własnych kompozycji i pracy z DAW (Digital Audio Workstation) czego efektem jest Barox, projekt muzyczny braci Roszkowskich łączący muzykę baroku z eksperymentalną elektroniką. Adam jest producentem WigroSfera on-line Festival, którego pierwsza edycja odbyła się w czerwcu 2020 roku w Wigierskim Parku Narodowym.

Hanna Kulenty kompozytorka urodzona 18 marca 1961 w Białymstoku. Mieszka w Polsce i Holandii, jej utwory były wielokrotnie nagradzane. Zajmuje się także muzyką filmową, w 2014 roku napisała ścieżkę dźwiękową do ‚’Hiszpanki”.
W latach 1980-86 studiowała kompozycję w klasie Włodzimierza Kotońskiego w Akademii Muzycznej w Warszawie, a następnie – w latach 1986-88 – kompozycję u Louisa Andriessena w Królewskim Konserwatorium Muzycznym w Hadze. Od 1989 roku pracuje jako wolna kompozytorka, realizując zamówienia i korzystając ze stypendiów twórczych.
Za swoją twórczość kompozytorską otrzymała wiele nagród, m.in. w 1985 – II nagrodę na Europejskim Konkursie Młodych Kompozytorów w Amsterdamie za utwór Ad unum na orkiestrę (1985). W 2003 podczas Międzynarodowej Trybuny Kompozytorów, organizowanej corocznie przez Międzynarodową Radę Muzyczną przy UNESCO, najwyższą punktację i miano utworu „wyselekcjonowanego” otrzymał jej Koncert na trąbkę i orkiestrę symfoniczną (2002).
Kompozycje Hanny Kulenty były wykonywane podczas festiwali na całym świecie, m.in. na Huddersfield Festival, Schleswig-Holstein Musik Festival, Münchener Biennale, Warszawskiej Jesieni.

Antoni Michnik
doktorant w IS PAN, absolwent IHS UW, historyk kultury, performer, kurator. Członek założyciel researchersko-performatywnej Grupy ETC, z którą interpretował na licznych festiwalach utwory muzyki eksperymentalnej i konceptualnej. Kuratorował wystawy i koncerty niezależne, m.in. w Trafostacji Sztuki w Szczecinie. Od roku 2020 w zespole kuratorskim festiwalu Ad Libitum. Od jesieni 2013 w redakcji magazynu „Glissando”. Publikował m.in. w „Kontekstach“, „Kulturze Popularnej”, „Kulturze Współczesnej”, „Kwartalniku Filmowym”, „Przeglądzie Humanistycznym”, „Ruchu Muzycznym”. Współredaktor książek Fluxus w trzech aktach. Narracje – estetyki – geografie Grupy ETC (Wyd. Krytyki Politycznej, 2014) oraz Poza Rejestrem. Rozmowy o muzyce i prawie autorskim (Fundacja Nowoczesna Polska, 2015).

Śniedź
warszawski duet wokalno-elektroniczny, który łączy rozbudowane techniki wokalne z improwizowaną, nazywającą się „glitchtronica”.
Duet powstał w 2018 roku w wyniku entuzjastycznie przyjętego występu na Impro Mityng – legendarnej serii improwizowanych koncertów w nieistniejącym już klubie Eufemia (23 marca 2017). Od tego czasu występowali w warszawskich klubach. W 2019 roku Śniedź została zakwalifikowana do Club Showcase Festival, w ramach prestiżowego wydarzenia Classical: NEXT, wyłonionego przez międzynarodowe jury, którego celem jest prezentacja artystów i zespołów z całego świata, które przesuwają granice i poszerzają horyzonty muzyki artystycznej. miejsce w klubie WORM (Rotterdam, Holandia) 17 maja.
Wkrótce ich debiutancki album ukaże się nakładem wytwórni Plaża Zachodnia.
Wokalistka operowa, performerka i artystka dźwięku Aleksandra Klimczak często przełamuje granice między gatunkami sztuki, współpracując z młodymi artystami z różnych dziedzin artystycznych. Jej prace były stypendystami Ministerstwa Kultury i Miasta Stołecznego Warszawy.
Kurator muzyczny Antoni Beksiak zajmuje się współczesną muzyką crossover, etniczną, klasyczną, jazzową i popularną w swojej twórczości jako inicjator, krytyk i twórca. Występuje także z innymi zespołami, w tym z Constantinem Poppem, Gebą i Warsaw Improvisers ’Orchestra..

Paweł Zagańczyk
jest absolwentem Akademii Muzycznej im. Stanisława Moniuszki w Gdańsku, którą ukończył z wyróżnieniem w klasie akordeonu prof. Krzysztofa Olczaka. Laureat ponad dwudziestu konkursów akordeonowych. Koncertuje w Polsce i Europie – występował na Litwie, Ukrainie, Słowacji, w Austrii, Chorwacji, Estonii, Finlandii, Hiszpanii, Szwecji, Niemczech, Szwajcarii i Wielkiej Brytanii. Paweł Zagańczyk koncertuje też na bandoneonie z niemieckiej manufaktury Uwe Hartenhauera.
Jako solista występował z wieloma orkiestrami pod batutą: Michała Nesterowicza, Maji Metelskiej, Jerzego Maksymiuka, Adama Klocka, Georgiosa Balatsinosa, Bohdana Jarmołowicza, Zygmunta Rycherta, Janusza Przybylskiego, Wojciecha Rajskiego, Tadeusza Dixy, Rafała Kłoczko, Szymona Morusa czy Ariela Ludwiczaka.
Repertuar Pawła Zagańczyka stanowią zamówione i prawykonane przez niego kompozycje. Dla Zagańczyka pisali m.in : Krzesimir Dębski, Mikołaj Majkusiak, Edward Sielicki, Mehmet Cän Ozer, Dariusz Mazurowski, Krzysztof Olczak, Cezary Paciorek, Gerhard Stäbler, Marek Czerniewicz czy Maciej Zimka.
Działania artystyczne na pograniczu różnych stylistyk i gatunków muzycznych są wizytówką Pawła Zagańczyka. Współpracuje z muzykami jazzowymi (Adam Wendt, Krzesimir Dębski), zespołami wykonującymi muzykę współczesną w tym elektroniczną. Jako założyciel kwartetu instrumentalnego Zagan Acoustic prezentuje kompozycje z pogranicza awangardy, jazzu i folku. Jest także autorem muzyki do spektakli teatralnych i słuchowisk radiowych.

Bilety i karnety:

do kupienia na www.inerticket.pl oraz na 30 minut przed koncertami

20 zł

normalny

15 zł

ulgowy

75 zł

karnet 4-dniowy normalny

50 zł

karnet 4-dniowy
ulgowy